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Depuis seize ans, l'action de formation continue est un moyen solide d’accompagner l'insertion et le devenir professionnel des pédagogues et des acteurs des arts de la scène. Elle interroge et favorise le développement de leurs savoirs-faire et savoirs-être. Avec le soutien de l'AFDAS, la SPEDIDAM, l’ADAMI ainsi que celui des DRAC Rhône-Alpes et Auvergne et des Conseils Régionaux Auvergne et Rhône-Alpes, les activités de formation et de recherche en direction des artistes professionnels sont au cœur de notre projet (Nouveauté 2012 : nous proposons des formations toute l’année – A Pontempeyrat mais aussi hors de nos murs)
En 2012, Regards et Mouvements a été sollicitée par l’AFDAS dans le cadre du dispositif ADEC Spectacle Vivant pour proposer une offre de formations spécifiques en Région Bourgogne.
FORMATIONS SPECIALISEES
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Le GdRA
Du 2 au 11 mars 2012 et du 23 avril au 2 mai 2012
Le GdRA / Christophe RULHES et Julien CASSIER
Ecrire à partir du réel
Rencontre avec le GdRA autour du collectage de paroles
Public concerné : Danseurs, artistes de rue, circassiens, performers, marionnettistes, professionnels
Tous les jours nous menons des enquêtes.
Qui est cette personne qui s’avance vers moi ? Pourquoi porte-t-elle un pull jaune ? Au quotidien nous fabriquons des petites fictions et des hypothèses sur le réel. Prêtes à l’emploi elles nous rassurent et donnent un sens à l’instant.
A l’œuvre dans nos gestes, dans nos livres, dans nos spectacles, dans nos documentaires, dans nos musiques, dans nos écrits professionnels, dans nos travaux de recherche : des bribes de réel, des paroles et des témoignages, des sensations éprouvées auprès de l’autre. Le nier équivaut à se penser ailleurs que dans le monde, le nier est impossible.
Au cours de cette rencontre, nous partirons du réel et de l’enquête pour fabriquer des histoires auxquelles nous essaierons de conférer un pouvoir d’agir, une force esthétique, une faculté d’émouvoir ou de révolter. Ces récits se feront « en prise » avec des personnes rencontrées sur un territoire délimité à Sète.
Nous tenterons de répondre en actes pratiques à deux séries de questions :
1) Qu’est ce qu’une enquête ? Quels en sont les outils techniques et les cadres pré-établis ou émergeants au fil de l’investigation ? Enregistreurs de sons et d’images, carnets, yeux, regards, corps placés… savoir attendre, enregistrer, poser un cadre, se taire, pour laisser émerger un sourire ou une parole. Qu’est ce qu’une collecte, une observation, un entretien ?
2) Qu’est ce qu’écrire en art et dans la vie de tous les jours à partir de données d’enquête ? Quels peuvent être les outils formels de la restitution ? Pour quoi dire ? Quels sont les possibles qu’offre la technique et les outils numériques ? En quoi le réel entrave-t-il toujours un peu la liberté de dire de tout auteur éthique ? En quoi stimule-t-il la créativité en contraignant l’écriture ? Pourquoi le réel assumé possède cette faculté de donner des dramaturgies fortes, des abstractions puissantes ? En quoi l’écriture sur le réel questionne les attachements de l’auteur ? Pourquoi est-elle réflexive ?
L’expérimentation sera pratique, en vue de faire. Elle donnera lieu à restitution. Pour ce faire, l’auteur/enquêteur se servira de ce qu’il souhaite pragmatiquement engager dans la réalisation de son « essai » : vidéo, corps, danse, geste, musique, son, texte, costumes, objets divers, supports et surfaces ; vers une performance d’acteur, une lecture, une chanson, une musique, une phonographie, un paysage sonore, une chorégraphie dansée ou/et acrobatique, une installation.
Il s’agira d’inviter, de donner à voir ou à entendre la ou les personnes « collectées » sur le plateau, afin d’en magnifier ou d’en questionner un temps la parole.
Christophe Rulhes
Il conçoit et met en scène des performances et des spectacles pour un théâtre pluridisciplinaire combinant ethnographie, texte, musique, danse, phonographie, acrobatie et voltige, images et vidéo. Diplômé en communication et en sociologie il a mené un parcours universitaire en tant qu’anthropologue à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales. Il pratique la musique et le chant depuis tout petit, de la prosodie traditionnelle occitane de ses parents jusqu’à la création électroacoustique, en passant par le rock engagé et l’improvisation. A la croisée de ces chemins – musicaux, universitaires, théâtraux – il co-fonde le GdRA en 2007 où il écrit et met en scène aux sources du témoignage local et quotidien, avec un regard toujours attentif sur la pluralité des cultures et l’irréductible qualité singulière des personnes : au carrefour des arts, des sciences et des politiques ordinaires.
Julien CASSIER
Il est sorti du Centre National des Arts du Cirque en 2001 après avoir pratiqué depuis l’age de 12 ans plusieurs disciplines des arts du cirque. Il a ensuite participé à la création de spectacles dans des contextes très variés, avec 111, Anomalie, la tribu Iota. Au sein du GdRA qu’il co-fonde en 2007 avec le spectacle Singularités Ordinaires dans lequel il danse, dit des textes et fait du trampoline sur un agrès de sa conception, il explore la chorégraphie et le récit par le corps. Il conçoit des espaces scénographiques en interactions avec ses mouvements dansés. Il participe aux cessions de collectages, d’enquêtes et d’écritures qui permettent au GdRA de fabriquer ses spectacles. A ce sujet, il filme, enregistre et découvre de nouveaux médias et techniques de sons et d’images, d’animations et de montages liés aux entretiens, aux mots et aux paysages sonores et visuels que le collectif utilise pour ses performances.
http://www.le-gdra.blogspot.com
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Cédric PAGA
Du 11 au 24 juin 2012
Cédric PAGA alias Ludor Citrik
Le clown ou l'exaltation ludique
Public concerné : Danseurs, artistes de rue, circassiens, performers, marionnettistes, professionnels
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Objectifs pédagogiques :
- Constituer une boîte à outils outil (l'art de la rétention, la prise de décision, la mise en relation, le touchant toucher, la résonnance)
- Instituer des gammes, densifier le sous-texte et l'auto-arbitrage
- Pour le joueur : élargir ses degrés de conscience, son acuité, sa fleur de peau. Etre auteur du temps. Le provoquer dans ces certitudes, le confronter à ses a priori, à son pouvoir de décision et d'écriture de l'immédiat.
- Elargir le domaine du ludisme
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Le clown, quelle merveilleuse démesure pour explorer l'acteur et ses rouages, l'humain et sa force de jubilation. Nous le commettrons du protoclown au métajoueur, de l'engagement énergétique au déploiement du jeu. Le Jeu est conçu ici comme brûlure , comme un engagement vital, une invitation à l'immédiat primitif ; la pratique du clown ou l'athlétisme affectif dans le tourbillon des pulsion-désirs-envies. Nous le ferons vivre du brut à l'écriture instantanée, de l'improvisation à la tentative d'écriture préméditée.
Cédric PAGA
Curieux et autodidacte de formation, il plonge dans le spectacle vivant en 1992.Il pratique le clown avec notamment la klown kompagnie et Eric Blouet. Il cherche dans le Butoh avec Sumako Koseki et Richard Cayre, il joue du théâtre masqué avec la Cnie Arthus et la compagnie du Chaland. Il crée un laboratoire circastique avec La Muse gueule en 1997 et un atelier d'infiltration du réel avec les Surnuméraires en 1999.
Avec le nouveau millénaire, il donne naissance à Ludor Citrik avec lequel il multiplie les expériences improvisées et écrites : en 2002 « Je Ne Suis Pas un Numéro » ;en 2004, les Chantiers de Cirque de la Cnie Flex ainsi que « La Maison des Clowns » ; en 2007 « Mon Pire Cauchemar ; en 2008 « La nudité du Ragoût » ;en 2009 »la Flaque » et en 2012, « Qui Sommes-Je ? ».En tant que pédagogue, il intervient ou ait intervenu au Fraco, au Samovar, à la Faaac, au Lido, au CNAC (formation permanente)…
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Michel CERDA
Du 23 juin au 1er juillet 2012
Michel CERDA et Armelle VERNIER
Questionnons l'écriture dans la création d'un solo/duo ?
Public concerné : circassiens, clowns, danseurs, performers, artistes de rue professionnels
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Objectifs pédagogiques :
- Questionner la place de la dramaturgie dans un processus de création
- Révéler les promesses artistiques que contient le projet (temps dramaturgique)
- Développer les traductions possibles sur le plateau et/ou la piste (temps organique)
- Formuler et transcrire son processus d'écriture dans la création d'une forme artistique sous forme d'objet à communiquer.
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Nous envisageons, au travers de cette formation, de questionner la place de la dramaturgie dans le processus de création des jeunes auteurs de cirque, de théâtre de rue, de danse ou de théâtre d'objets. Nous avons remarqué, qu'après une longue période d'interprétation ou un cursus de formation initiale, de nombreux auteurs créateurs tentent l'exercice périlleux de produire seuls leur première création.
Ces créateurs sont alors souvent amenés à endosser plusieurs fonctions ; celle de l'administrateur, de l'interprète, du créateur, du régisseur, du producteur et, de fait, n'approfondissent pas toujours leur lien à l'écriture. La rencontre entre le théâtre et le cirque, par exemple, n'est pas toujours heureuse ! C'est pourquoi Michel CERDA et Armelle VERNIER accompagneront 3 à 4 équipes (essentiellement des solos et/ou duos) qui en sont au début, à la naissance de leur projet.
Trois temps de mise au travail seront proposés :
Premier temps : Temps dialectique - Présentation et discussion de chaque projet.
Deuxième temps : Temps organique – Présentation sur le plateau du travail en train de se faire.
Troisième temps : Temps de formalisation – Se mettre à l'épreuve de favoriser ses idées pour la communiquer dans un dossier ou un dossier de communication. Nous demanderons au stagiaire de noter dans « un cahier de bord » tout ce qu'il lui paraitra important dans le déroulé de la formation pour ainsi rendre lisible sa démarche artistique.
Cette formation propose une alternance équilibrée entre discussions et traductions plateau devant le formateur ou déformateur comme devant les autres équipes présentes. Michel CERDA se mettra au service de chaque projet pour appuyer et questionner là ou l'écriture fait sens sans jamais se positionner comme metteur en scène ou œil extérieur. Le but étant de conserver à chaque projet sa singularité.
Nous demanderons à chaque participant de nous formuler leur désir de créer et les rencontrerons en amont pour préciser avec eux le cadre dans lequel chacun s'inscrira.
Un second temps pourra être envisagé pour suivre cet accompagnement mais nous tenons d'ores et déjà à préserver l'autonomie de chaque projet en ne l'accompagnant pas jusqu'à sa création.
Michel CERDA
Il pratique depuis vingt ans une activité artistique polyvalente, plaisante et assumée. La mise en scène de texte de théâtre contemporain y côtoie la transmission au Centre National des Arts du Cirque à Chalon en Champagne, au CDN de Reims, au CDN de NANCY, au TNS, la FEMIS, à l'université de Nanterre et Aix et en Provence ainsi que l'accompagnement dramaturgique d'autres artistes (circassiens, chanteurs, danseurs et magiciens tels que Thierry COLLET, la compagnie Baro D'Evel, Jean Baptiste ANDRE, la compagnie Nushka, Sylvie LOUCHE). Il aime, le plus souvent que possible, être un metteur en scène qui se joue de lui-même et jouer avec les autres. Il se définit comme un homme proche du plateau et de la création contemporaine. Texte monté, la saison dernière : Et pourtant ce silence ne pouvait être vide, de Jean Magnan. Il est actuellement en collaboration artistique avec Thierry Collet sur sa prochaine création : Influences spectacle de magie mentale.…
Armelle VERNIER
Après avoir été quelques années professeur de lettres, elle a accompagné différentes compagnies dans la production de leurs créations et la diffusion de leurs spectacles, d'abord au sein du bureau Scènes de cirque puis directement au sein des compagnies. Elle a entre autres travaillé avec l'Ebauchoir et Ici ou Là (Thierry André, Abdeliazide Senhadji, Mahmoud Louertani), Baro d'evel cirk compagnie, le GdRA (Julien Cassier, Sébastien Barrier, Christophe Rulhes)... Elle est à présent à la Direction des Affaires Culturelles de la Ville de Paris, chargée des secteurs cirque, arts de la rue et marionnette.
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En construction
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Jörg MULLER
Dates à confirmer
JÖRG MULLER
Formation en construction
Public concerné :
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Agnès LIMBOS et Guillaume ISTACE
Du 23 au 29 juillet 2012
Agnès LIMBOS et Guillaume ISTACE
Le théâtre d'objet fait son cinéma
Public concerné : acteurs-manipulateurs, marionnettistes, scénographes, plasticiens, musiciens
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Objectifs pédagogiques :
- Mettre en commun ses experiences artistiques et personnelles
- Développer la présence scénique spécifique de l'acteur-manipulateur
- Acquérir quelques bases techniques de manipulation d'objets et de creation sonore
- Approche collective et personnelle du travail. Repousser les frontières du connu et s'aventurer intuitivement dans des zones obscures qui font s'ébranler les échelles de valeur et de grandeur.
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Le théâtre d'objet est une forme de théâtre particulière et singulière où l'objet est manipulé à vue et l'acteur au centre de l'espace.
Une semaine intensive pour explorer, par le biais d'échauffements, d'improvisations collectives, d'exercices et d'élaborations personnelles, les univers particuliers qui peuvent naître de la mise en présence sur le plateau de l'acteur manipulateur d'objets ou de sons.
Décodage de la valeur poétique de l'objet et travail sur la manipulation: Quand on dit "objet" on parle des objets qui ont fait ou font partie de notre quotidien avec toutes les valeurs nostalgiques, imaginatives ou poétiques qu'ils contiennent.Cette notion peut s'étendre aux matières naturelles ou autres. L'impact visuel est immédiat.
Ce sont des « éléments », reconnaissables par tous, qui sortent tels quels de la vie sans aucune transformation.Ils arrivent sur la scène par choix du manipulateur ou par hasard de rencontres.
Mise en présence de l'acteur dans l'espace:
Le manipulateur d'objet doit comme le marionnettiste être capable de bouger, de jouer,de se déplacer sur un plateau avec toute la grâce ou la violence qui émane de sa présence.
La préparation physique est plutôt axée sur un déconditionnement, une mise en disponibilité du corps, travail sur une décomposition segmentaire sur le regard et la respiration,sur la justesse des intentions.
Le son, le bruitage, les atmosphères:
Quel est la place du son dans le théâtre d'objet ? Comment retranscrire des ambiances,des atmosphères….Le son comme partenaire créatif, comme soutien du jeu, comme élévation de l'imaginaire.
Travail sur le scénario et le story board:
J'ai pris au langage cinématographique la réalisation du story board : le découpage séquence par séquence mais aussi la notion de gros plan, de travelling, de zoom,de point fixe..
Il s'agit d'un outil de travail qui permettra de mettre en évidence les points de vue, les imaginaires de chacun.
Réalisation d'un court métrage théâtral:
Tous les jours, un temps est consacré à l'élaboration d'une courte forme qui sera présentée en fin de semaine.
Agnès LIMBOS
Depuis 1984, date de création de la Compagnie Gare Centrale, Agnès Limbos a créé 12 spectacles joués dans plus de 25 pays, développant pas à pas sa recherche artistique autour du théâtre d'objet et de l'acteur manipulateur.
Passionnée de théâtre, découvrant des jouets miniatures dans les boîtes à savon et portée sur la contemplation des arbres et du ciel, elle passe un moment de son enfance en Afrique, fait des études de sciences politiques et philosophiques. Préférant les routes du monde aux bancs de l'université, elle commence une errance personnelle qui l'amènera entre autres à l'école Internationale Mime Mouvement Théâtre Jacques Lecoq à Paris de 1977 à 1979, au Mexique de 1980 à 1982 et à la création de la Compagnie Gare Centrale à Bruxelles en 1984.
Elle travaille comme auteur, comédienne, metteur en scène, professeur et accompagne de jeunes créateurs dans leur démarche artistique..…
Guillaume ISTACE
Après avoir fait ses études à l'INSAS (Bruxelles), Guillume Istace déploie son énergie dans plusieurs domaines: La mise en scène mais aussi la réalisation de documentaires radiophoniques et la création musicale et sonore pour le théâtre.
En 2003, il est laureat de la fondation belge de la vocation et reçoit le Prix SACD-SCAM du meilleur documentaire pour « 240 secondes ». En 2007, son documentaire « On n'est pas des animaux : Pornographie et sexualité en question » a été selectionné au festival international « Prix Europa » à Berlin.
En 2010 il rencontre Agnes Limbos(Compagnie Gare Centrale) , Karine Birgé et Marie Delhaye (compagnie Karyatides) Il les suit de près dans leur travail et crée les bandes-son des spectacle « Madame Bovary » (mis en sène par Agnes Limbos),"Carmen" (mis en scène par Félicie Artaud) et "Conversation avec un jeune homme", le dernier spectacle d'Agnès. Il devient aussi son complice sonore lors d'atelier qu'elle donne à Renne, Bruxelles ou Charleville.
www.garecentrale.be / http://www.radioscopic.org
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Nadège PRUGNARD
Du 30 juillet au 5 août 2012
Nadège PRUGNARD
Exercices d'insoumission
Public concerné : comédien(ne)s professionnel(le)s – tous âges
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Objectifs pédagogiques :
- Il s'agira d'écrire et d'expérimenter sur le plateau, dans le but de mettre en jeu la notion d'écriture, son propre « je » de pouvoirs, de questionnements, le passage du comme « un » au « commun » ; donner corps-texte à l'individu en tant qu'artiste questionnant sa propre vérité dans l'âtre collectif.
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Ce stage se construira en exercices de recherches et d'expérimentations, à partir de réflexions inspirées de philosophes comme Nietzsche ou Deleuze et des grands thèmes qui parcourent la tragédie antique.
Il se traduira en sessions d'improvisation et de fabrication collective avec les participants, autour de 3 questionnements :
- Ecrire le théâtre d'aujourd'hui ?
Il s'agira d'explorer les moteurs, formes, enjeux et nécessité de l'écriture théâtrale contemporaine. Un théâtre qui se veut « critique de son temps », mettant en couple et en crise les mots et les maux du monde d'aujourd'hui. Un théâtre qui prend à bras le corps l'actualité, une immersion dans les secousses sociales et les problématiques politiques, philosophiques et existentielles de l'homme d'aujourd'hui.
- Qu'est-ce que l'engagement artistique ?
Il s'agira d'expérimenter comment l'artiste envisage par l'acte de création « sa participation politique » au monde, mettre en abîme l'intime et le politique, susciter des surgissements performatifs.
- Comment convoquer "l'espace tragique" ?
Il s'agira d'interroger les origines dyonisiaques de la tragédie, et le processus cathartique de l'exposition des pulsions opposées de vie et de mort face à une fatalité implacable ; réinventer les mythes au regard du monde actuel.
Nadège PRUGNARD
Auteure, metteure en scène et comedienne, Nadège Prugnard est actuellement artiste associée au Théâtre d'Aurillac Scène conventionnée.
Au sein de la compagnie Magma Performing Théâtre, elle a créé , avec La Comédie - Scène nationale de Clermont-Fd, Monoï, Kamédür(x) Drama-Rock avec Eric Lareine et M.A.M.A.E Meurtre Artistique Munitions Actions Explosion. Elle a aussi écrit et mis en scène, Suzanne takes you down, La Jeannine enterrement Slam Rock (bourse SACD écrire pour la rue), Paul Petit et Putain de route de campagne !... Elle travaille actuellement à l'écriture de L'élan des langues avec Eugène Durif, Le ciel rouge n'a plus soif avec Géraud Bastar et Fragments avec Jean-François Pauvros.
Nadège Prugnard travaille également sur des commandes d'écriture et de mise en scène pour d'autres artistes et compagnies : Women 68 même pas mort pour la Cie Brut de Béton production, Les pendus pour la Cie Kumulus, Profils atypiques en écritures croisées avec Koffi Kwahulé et Louis Dominique. Elle a aussi cocréé Sexamor avec Pierre Meunier, Fuckin'Cendrillon avec Générik Vapeur pour l'ouverture du Festival international du théâtre de rue 2011 d'Aurillac, et participé au projet rock La Forge de Géraud Bastar. Elle travaille actuellement à l'écriture de Ma mort n'est la faute de personne avec Marie-Do Fréval (bourse SACD écrire pour la rue) et sur le projet Cocktail 8 du Collectif Molotof.
http://magmaperformingtheatre.over-blog.com
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Groupe ZUR
Du 30 juillet au 12 août 2012
Le Groupe ZUR
L’installation/spectacle: intervention et écriture in situ
Public concerné : Danseurs, artistes de rue, circassiens, comédiens, performers, marionnettistes, professionnels
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Objectifs pédagogiques :
- La recherche in situ comme source d'inspiration et support de réflexion et de création.
- Trouver les solutions expressives les mieux adaptées à restituer l'imaginaire, concevoir et réaliser des dispositifs nouveaux et des histoires tout spécialement réalisées pour l'occasion.
- Découvrir et développer une sensibilité collective au partage des idées poétiques
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Le groupe ZUR travaille à la croisée des chemins qui font se rencontrer dans un territoire inconnu l'image, le son, la parole, le geste et tout autre moyen d'expression poétique. Nous utilisons tous ce que nous pouvons et savons faire et nous le mettons au service d'une « vision » poétique collective.
Le Groupe ZUR travaillera à partir des recherches in situ et de la matière poétique recueillie parmi les participants. Après une première phase de cueillette et d'imprégnation dans le lieu choisi, un partage collectif des sensations et réflexions nous permettra de réinterpréter, ensemble, les formes et les symboles, les récits et les suggestions au travers de phases consécutives d'improvisation et de réalisation de dispositifs: sonores, vocaux, d'images et d'écriture.
La première semaine d'atelier collectif sera guidée par nos propos et réflexions du moment ou suscitée par le lieu lui-même, laissant apparaître parfois en filigrane le plus profond de nos individualités. Nous entamerons la reconstitution d'une Zone Utopique détournant la réalité du lieu investi.
Au cours de la deuxième semaine nous nous efforcerons, avec les participants, de faire des choix qui affirment une résonance et une affinité commune à tout le monde. Pour que les données recueillies parlent et se parlent dans la composition d'une intervention in situ, une présentation sous la forme que le lieu nous aura suggéré et que nous aurons eu envie d'explorer sera proposée.
Des sous-groupes de réalisation des « visions » seront formés selon les besoins du projet d'installation et des envies des participants.
Les sous-groupes de création se retrouveront autour de l'utilisation de l'image projetée sur des supports de projection inventés, autour de la création sonore avec des dispositifs bricolés, autour de l'improvisation gestuelle et vocale sensible.
Le Groupe ZUR
Créé en 1984, le groupe ZUR (Zone Utopiquement Reconstituée) rassemble autour d'un travail ouvert et singulier des individus qui prennent plaisir à inventer en groupe.
Considérant l'acte de création comme une occasion d'aventure et d'expérience nous acceptons des invitations qui souvent nous portent hors de notre région, imaginant dans des endroits souvent inattendus, des dispositifs renouvelés qui épousent, rejettent, interrogent, leur lieu de présentation.
Notre action est basée sur la contamination des genres et des langages artistiques. N'ayant pas de spécialisation, nous travaillons à la croisée des chemins qui feraient se rencontrer la peinture et le cinéma, la sculpture et le jeu, en élaborant aussi bien des installation/performances que des (ciné)scénographies, des (ciné)concerts ou des interventions dans des lieux inattendus.
http://www.groupe-zur.com/
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Maryse GAUTHIER
Dates à confirmer
Maryse GAUTHIER
Formation en construction
Public concerné :
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Yves-Noël GENOD
Du 27 août au 16 septembre 2012
Yves-Noël GENOD
Jouer Dieu
Public concerné : Comédiens, circassiens, clowns, danseurs, performers, artistes de rue professionnels
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Objectifs pédagogiques :
- Envisager l'interprétation en tant qu'auteur
- Séparer le geste de la parole
- Décupler ses facultés à improviser et construire son jeu d'acteur
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Cette fois-ci, c'est la troisième fois. C'est jouer Dieu pour la troisième fois (Jamais Dieu sans trois). Jouer Dieu, c'est jouer, tout simplement. En sous-titre: Rêver les mondes pluriels. Michel Cassé imagine que notre univers n'est qu'une bulle de champagne, qu'il y en a plein d'autres en permanence, la création continue. C'est invérifiable, mais c'est une image magique. Précieuse. La mécanique quantique aussi offre les clés pour le théâtre (puisque c'est le théâtre qui nous intéresse particulièrement). Tout ça, la mécanique quantique, l'astrophysique, c'est la REALITE. Nous ne sommes pas la réalité. Nous sommes des artistes, nous sommes des mélanges – comme tous les hommes, mais encore plus. C'est une chose étrange d'avoir besoin d'un plateau pour exister. D'avoir besoin d'être regardé. Nous ne sommes pas la réalité, mais nous savons ce sur quoi nous travaillons : nous travaillons sur le vivant. Spectacle vivant, ça veut dire ça : thème : le vivant. Nous sommes des francs-tireurs, nous sommes des anarchistes, nous sommes des poètes. Nous pouvons être à tu et à toi avec Shakespeare, avec Calderon, avec Anton Tchekhov, avec Paul Claudel, avec Thomas Bernhard, avec les Russes, avec Le Rouge et le Noir, avec n'importe quoi, Rimbaud, Hölderlin, Hélène Bessette, avec Klaus Michael Grüber, avec Krzysztof Warlikowski, avec moi, avec toi, avec l'autre, avec les séries télévisées, avec tout le bordel, mais avec Dieu ! Le stage se présente comme une retraite (active) dans un lieu isolé à la campagne, en temps shakespeariens de « la peste » et pendant que les théâtres sont closed (avec la ferme intention d'y revenir à la première embellie)..
Yves-Noël GENOD
Il a créé une cinquantaine de spectacles depuis juin 2003, son premier one man show, En attendant Genod, ainsi qu'un plus grand nombre encore de « performances ». Il n'a eu de cesse de changer de style autant que ses forces le lui permettaient et de contextualiser les événements. Tous les styles, toutes les façons. Mais personne n'aura vu l'oeuvre en entier. Citons : Pour en finir avec Claude Régy (un deuxième « one man show ») ; Dior n'est pas Dieu ; Hommage à Catherine Diverrès ; Le Dispariteur (dans le noir total à la Ménagerie de verre) ; Jésus revient en Bretagne ; Domaine de la Jalousie ; Elle court dans la poussière, la rose de Balzac ; La Descendanse ; Monsieur Villovitch ; Blektre (pièce de Nathalie Quintane et Charles Torris) ; Hamlet (Villette, Ménagerie, Vanves : à ce jour, trois spectacles très différents sous le même titre) ; Oh, pas d'femme, pas d'cri ; Vénus & Adonis ; C'est pas pour les cochons ! (en collaboration avec Kataline Patkaï) ; Rien n'est beau... (commande sur le butoh) ; L'Echange (comme la pièce de Paul Claudel) ; La Mort d'Ivan Ilitch ; 1er ; Haschich à Marseille ; Réunion des scènes infinie ; – je peux / – oui (dyptique), Une saison en enfer... Les spectacles ont toujours été accueillis par les festivals de danse contemporaine et des formes nouvelles sauf pour l'un d'eux programmé à Chaillot plus longuement et intitulé simplement Yves-Noël Genod. Il a créé l'événement au festival d'Avignon 2010 en jouant vingt-cinq fois à guichet fermé, dans le Off, un spectacle intitulé Le Parc intérieur. Il a travaillé et retravaillé avec plusieurs dizaines d'acteurs, a déjà dirigé six stages de comédiens et créé une pièce avec les étudiants de l'école de danse Hütz, à Berlin (Felix, dancing in silence). Il a également enseigné, en avril-mai 2011, à l'école du Théâtre National de Bretagne. Formé à l'école d'Antoine Vitez, ainsi qu'avec Blanche Salant (Actors Studio) et par de nombreux stages de danse contemporaine et d'improvisation dansée ainsi que, plus récemment, par des cours de danse classique (Wayne Byars) et de la technique Alexander (Luigia Riva). Auditeur libre dans la classe de Claude Régy au conservatoire national supérieur puis comédien chez Claude Régy, François Tanguy (Théâtre du Radeau), Julie Brochen, Claude Schmitz... Danseur chez Loïc Touzé... Il participe régulièrement à l'émission de France Culture « L'Atelier intérieur ». Il jouera (des spectacles différents) à la Ménagerie de verre à Paris du 13 au 17 mars prochain, à Bologne, en Italie le 28 avril et au théâtre du Rond-Point, à Paris du 31 mai au 24 juin ainsi qu'au festival d'Avignon.
http://ledispariteur.blogspot.com/
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Richard CAYRE
Du 3 au 23 septembre 2012
Richard CAYRE et Anne-Laure LAMARQUE
Qu'est-ce que le butoh japonais?
Public concerné : professionnels du spectacle
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Objectifs pédagogiques :
- Transmission des fondamentaux du butoh à travers l'interprétation personnelle qu'en ont fait quelques personnalités marquantes de son histoire.
- Travailler et de réfléchir "à la manière de", voir des pièces d'archives, comprendre les contextes à l'émergence du butoh, les déplacements successifs de ce mouvement artistique, les résonances et l'actualité dans le monde artistique contemporain.
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Cette année, l'orientation du travail essentiellement tournée vers la pratique, vise à l'acquisition des techniques corporelles spécifiques à la danse butoh qui se sont élaborées au fil de ses 50 ans d'histoire. Nous traverserons les grands styles qui s'en sont dégagés:
Hijikata Tatsumi du 4 au 6 sept.
Ohno Kazuo et Yoshito les 7 et 8 sept.
Akaji Maro (daïrakudakan) les 10 et 11 sept.
Murobushi Ko les 12 et 13 sept.
Ikeda Carlotta les 14 et 15 sept.
Iwana Masaki les 17 et 18 sept.
Tanaka Min du 19 au 21 sept.
le 3 septembre étant consacré à la présentation des 3 semaines
les 9 et 16 septembre sont des jours de récupération
le 22 est consacré à la préparation de la performance publique de fin de stage qui aura lieu le soir même,
le 23 est consacré au bilan de la performance de la veille et aux dernières questions concernant le stage.
- Approche des techniques et qualités de mouvement de base du butoh.
- Comment construire des images mentales et les utiliser dans la danse.
- Images, paysages, métamorphoses.
- Travail à partir de la marche : contrôle moteur du transport du poids, perception de le gravité, du centre, de l'axe.
- Techniques visant à développer la présence et l'ouverture vers le spectateur.
- Pratiques respiratoires et énergétiques.
Richard CAYRE
Danseur et chorégraphe de butoh, enseigne cette pratique au niveau international depuis 25 ans. Après avoir dirigé pendant 17 ans la compagnie Enfin le Jour, il fonde en 2007 la Cie La Ligne de Désir où il élabore ce qu'il nomme le "butoh des lumières", paradoxalement, un prolongement de l'ankoku buto japonais (danse des ténèbres) qui serait déraciné du terreau nippon et planté au coeur de la pensée occidentale du siècle des lumières.
1984: Rencontre du butoh de Carlotta Ikeda, Masaki Iwana, Sumako Koseki, Min Tanaka, Yoko Ashikawa, découverte de la kinésiologie appliquée à la danse et du body Mind Centering. 1987-2008: Création de 27 pièces chorégraphiques et théâtrales. 1989: Fondation de la Compagnie Enfin le Jour à Pau. 1999-2003: Cycle de recherche autour du baroque français dans l'idée de fonder un butoh occidental. 2005: Cycle de recherche autour des spiritualités et des pratiques issues du néolithique.
Collabore avec de nombreux groupes comme pédagogue, metteur en scène ou chorégraphe, en France, en Belgique, au Vietnam et en Tunisie.
Anne-Laure LAMARQUE
Danseuse et assistante chorégraphe, docteur en ethnoscénologie.
Après avoir notamment rencontré les butohs de Yoshito Ohno, Carlotta Ikeda, Ko Murobushi, Daïrakudakan et Richard Cayre entre 2002 et 2007, elle danse pour la compagnie Ariadone - Carlotta Ikeda et depuis 2010 pour la compagnie La Ligne de Désir. Ses recherches actuelles portent sur la constitution d'un laboratoire expérimental sur l'art de danser.
www.lalignededesir.net/ http://vimeo.com/lalignededesir
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Eric BLOUET
Dates à confirmer
Eric BLOUET
Formation en construction
Public concerné :
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Alexandre DEL PERUGIA
Dates à confirmer
Alexandre DEL PERUGIA
Formation en construction
Public concerné :
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Collectif ici même
Dates à confirmer
COLLECTIF ICI MEME
Formation en construction
Public concerné :
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Alexandre DEL PERUGIA
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Objectifs pédagogiques :
- Donner des outils pour découvrir et explorer son intime artistique
- Etre mouvement et non posséder le mouvement
- Le plaisir dans l'espace de jeu
- Chercher le mouvement juste
- Expansion et ouverture dans l'espace de jeu (frontal, circulaire etc...)
- Du joueur au spectateur: un lien
- Recherche de: «ne rien montrer mais laisser voir»
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Entre la personne sociale et la «créature» (ce qui est joué ou interprété), il y a le joueur qui est porteur du passé et disponible pour le futur du jeu et de sa règle. Le joueur doit chercher son mouvement naturel anti-quotidien.
Si le but est de permettre au joueur d'être plus fluide et disponible dans son travail de répétition avec le regard extérieur, l'objectif doit être adapté et apporter des outils au processus de chaque artiste.
Nous élaborerons une grille de situation pour l'orientation et la direction de chaque artiste. Les objectifs individuels se concrétiseront en fonction du positionnement de chaque participant. Une grille de lecture du spectacle vivant sera présenté pour mieux savoir se situer à l' intérieur.
La préparation physique sera abordée sous forme de mise en condition de non jugement pour la personne (être joueur). Des exercices seront proposés sur :
- sentir la gravité, enracinement, le système osseux et musculaire
- le relâchement musculaire, recherche de postures gravitaires
- le corps dans l'espace vivre en 3D
- le plaisir du mouvement par les jeux enfantins de transmission orale
- le captage sensoriel et plus approfondi sur les yeux (voir et être vu)
- le souffle, le son avant le mot
- donner son secret au spectateur
- le rapport à l'espace temps
- mise en jeu, en lien avec le spectateur: accepter le jugement du public en temps que joueur.
Nous prendrons un temps tout particulier sur les notions de jeux en abordant les jeux enfantins de transmission orale pour aller au jeu créatif. Ce cadre nous permettra de travailler sur:
- L'entrée et la sortie dans l'espace de jeu.
- L'espace-temps dans l espace de jeu.
- L' improvisation.
- Le regard et le lien dans l' espace de jeu.
- Trouver sa liberté dans la contrainte des règles.
Alexandre DEL PERUGIA
Artiste, pédagogue du mouvement, directeur d'acteurs, il est un ancien élève du Conservatoire national du cirque et du mime (carré Sylvia Monfort). Il crée Projections; en 1995 Regards et Mouvements; de 2003 à 2005, il codirige le Centre National des Arts du Cirque. Il travaille avec Régine Chopinot dans Chair obscur et Cornucopiaë, avec la compagnie DCA de Philippe Découflé, Maguy Marin, Le Ballet Preljocaj et d'autres encore... Il participe à la préparation corporelle pour des comédiens.
http://www.etrela.net/
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A. DEL PERUGIA et S. ROUX
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Objectifs pédagogiques :
- Rédiger et présenter un C.V. professionnel correspondant à l'attente du recruteur,
- Choisir son visuel du visuel important
- Apprendre à «se faire acheter», et non pas à «se vendre» en entretien
- Apprivoiser le stress, la peur, le trac
- Créer une connivence avec la personne que l'on a en face à face
- Comprendre le langage d'un metteur en scène, chorégraphe, metteur en scène et connaitre son univers.
- Etre capable de s'adapter et d'inventer face à l'imprévu
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Si le but du stage est d'aider les artistes fragilisés à surmonter les obstacles pour la recherche d'un emploi et de les préparer au casting où se joue leur avenir professionnel, l'objectif doit être adapté et apporter des informations et des compétences indispensables.
Nous travaillerons en deux temps. Le premier temps sera consacré au C.V. (trouver quelqu'un). Le deuxième temps sera lui consacré à la rencontre (le Casting).
Il est important de comprendre que le casting, se situe dans un cadre bien précis, et se déroule en deux temps, après avoir préparé son C.V.
Par manque de préparation, beaucoup d'artistes ne passent pas ce cap et ne peuvent donc pas trouver d'emploi. Nous aborderons donc :
I- La présentation de son «joueur» :
Comment à travers un face à face, avec un metteur en scène, un chorégraphe, un directeur de casting, la personne présente «son joueur» à travers son C.V., une vidéo et une discussion ?
II- Une présentation d'une courte création et/où interprétation:
Comment présenter un texte, une chorégraphie, un numéro, etc... en se servant de tout son potentiel, et en apprivoisant la peur ?
Sébastien ROUX est directeur depuis 2004 de la programmation pédagogique et artistique de l'association Regards et Mouvements à l'Hostellerie de l' Ance - Pontempeyrat fondé par Alexandre DEL PERUGIA. Le projet de cette association est de promouvoir la recherche artistique contemporaine et pédagogique sur les langages que sont le cirque, le théâtre de rue et la marionnette en milieu rural. Ces missions le conduise à réfléchir sur l'accompagnement d'équipes artistiques émergentes, la diffusion d'œuvres artistiques en milieu rural, la formation des artistes dans leur voie de professionnalisation, la coopération internationale ( Venezuela, Sénégal, Maroc, Mexique, Ukraine) et de construire un dialogue avec les élus sur des questions d'inter-territorialité à l'échelle locale, nationale et internationale et sur la mise en place d'une politique culturelle adéquate.
Ces réflexions sont nourries par ses rencontres avec Alexandre DEL PERUGIA, Laurence MAYOR, Cédric PAGA, Eric BLOUET, Yannick JAULIN, François LAZARO, Eric BLOUET, Michel CERDA, Thierry COLLET, Daniel DANIS, Camille BOITEL, Jeanne MORDOJ, Michel CRESPIN, Cécile BRIAND, Mathilde MONFREUX, Laurent CHANEL, Béatrice PICON VALIN, Anne QUENTIN, Eugène DURIF, Karelle PRUGNAUD, Mauricio CELEDON etc.
Aujourd'hui titulaire d'une licence en Anthropologie du spectacle à l'université Lyon 2 par Validation des Acquis de l'expérience il débute une recherche autour des questions de genres dans le milieu artistique et sociétal.
Alexandre DEL PERUGIA
Artiste, pédagogue du mouvement, directeur d'acteurs, il est un ancien élève du Conservatoire national du cirque et du mime (carré Sylvia Monfort). Il crée Projections; en 1995 Regards et Mouvements; de 2003 à 2005, il codirige le Centre National des Arts du Cirque. Il travaille avec Régine Chopinot dans Chair obscur et Cornucopiaë, avec la compagnie DCA de Philippe Découflé, Maguy Marin, Le Ballet Preljocaj et d'autres encore... Il participe à la préparation corporelle pour des comédiens.
http://www.etrela.net/
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Michel CERDA
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Objectifs pédagogiques :
- Questionner la place de la dramaturgie dans un processus de création
- Révéler les promesses artistiques que contient le projet (temps dramaturgique)
- Développer les traductions possibles sur le plateau et/ou la piste (temps organique)
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J'envisage au travers de cette formation, de questionner la place de la dramaturgie dans le processus de création des jeunes auteurs de cirque, de théâtre de rue, de danse ou de théâtre d'objets. J ai remarqué, qu'après une longue période d'interprétation ou un cursus de formation initiale, de nombreux auteurs créateurs tentent l'exercice périlleux de produire seuls leur première création.
Ces créateurs sont alors souvent amenés à endosser plusieurs fonctions; celle de l'administrateur, de l'interprète, du créateur, du régisseur, du producteur et, de fait, n'approfondissent pas toujours leur lien à l'écriture. La rencontre entre le théâtre et le cirque, par exemple, n'est pas toujours heureuse ! C'est pourquoi Michel CERDA accompagnera 5 participants (essentiellement des solos et/ou duos) qui en sont au début, à la naissance de leur projet.
Deux temps de mise au travail seront proposés :
Premier temps : Temps dialectique - Présentation et discussion de chaque projet.
Deuxième temps : Temps organique – Présentation sur le plateau du travail en train de se faire..
Cette formation propose une alternance équilibrée entre discussions et traductions plateau devant le formateur ou déformateur comme devant les autres équipes présentes. Michel CERDA se mettra au service de chaque projet pour appuyer et questionner là ou l'écriture fait sens sans jamais se positionner comme metteur en scène ou œil extérieur. Le but étant de conserver à chaque projet sa singularité. Nous demanderons à chaque participant de nous formuler leur désir de créer et les rencontrerons en amont pour préciser avec eux le cadre dans lequel chacun s'inscrira.
Un second temps pourra être envisagé pour suivre cet accompagnement mais je tiens d'ores et déjà à préserver l'autonomie de chaque projet en ne l'accompagnant pas jusqu'à sa création.
Michel CERDA
Il pratique depuis vingt ans une activité artistique polyvalente, plaisante et assumée. La mise en scène de texte de théâtre contemporain y côtoie la transmission au Centre National des Arts du Cirque à Chalon en Champagne, au CDN de Reims, au CDN de NANCY, au TNS, la FEMIS, à l'université de Nanterre et Aix en Provence ainsi que l'accompagnement dramaturgique d'autres artistes (circassiens, chanteurs, danseurs et magiciens tels que Thierry COLLET, la compagnie Baro D'Evel, Jean Baptiste ANDRE, la compagnie Nushka, Sylvie LOUCHE). Il aime, le plus souvent que possible, être un metteur en scène qui se joue de lui-même et jouer avec les autres. Il se définit comme un homme proche du plateau et de la création contemporaine. Texte monté, la saison dernière : Et pourtant ce silence ne pouvait être vide, de Jean Magnan. Il est actuellement en collaboration artistique avec Thierry Collet sur sa prochaine création : Influences spectacle de magie mentale.
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Laura DE NERCY
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Objectifs pédagogiques :
- S'appuyer sur la dimension proprioceptive du travail, rendue « palpable » par une alternance entre horizontale et verticale, et ainsi développer une écoute exigeante et précise des appuis.
- Retourner à la source du mouvement, en clarifiant l'intention et en portant l'attention sur les sensations de l'instant présent.
- Ouvrir la perception et la conscience;
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Par une approche sensorielle, recontacter nos appuis et mettre l'accent sur le mouvement conscient de nos perceptions intimes vers le monde extérieur.
J'élabore pendant 17 années un travail de recherche sur le rapport du corps à la dimension verticale au sein de la compagnie Roc in Lichen que je codirige avec Bruno Dizien de 1987 à 2001.
Au fil de ces années se dessine une matière de corps singulière nourrie d'une expérience très concrète sur le support vertical, celui-ci mettant en évidence une proprioceptivité sensible et exigeante, une notion de poids et de densité, une perception du volume intérieur et son rapport à l'espace.
Par ailleurs, je fais partie du groupe de recherche de Kitsou Dubois sur le corps en apesanteur depuis 2000. Je participe à plusieurs vols paraboliques où je fais concrètement l'expérience de cet état de corps improbable. Il est question là d'ouvrir une conscience et de construire intérieurement de nouveaux repères qui permettent au corps d'exister dans ce milieu inconnu privé de gravité.
Nourrie de ces expériences, je reviens à la source par une approche sensorielle, une écoute « simple » qui met le corps en jeu à partir des éléments fondamentaux qui nous constituent, c'est-à-dire la prise de conscience de nos appuis et la relation qu'ils entretiennent avec la gravité, qu'ils soient concrets, imaginaires ou intérieurs.
Nous porterons une attention particulière :
- au contact,
- aux transferts d'appuis,
- au poids,
- à la respiration comme moteur,
- aux oppositions, torsions et tensions dynamiques,
- à l'initiation du mouvement et sa plus grande fluidité,
- au ralenti comme prise de conscience intérieure.
Tous ces éléments développent un état de conscience, une présence, un laisser-faire, une disponibilité à soi et à l'autre.
Laura DE NERCY
Elle est l'interprète de Susan Buirge, François Verret, Christian Trouillas, Bouvier/Obadia…
Elle expérimente le Butoh (T.Min, Sankai Juku, S.Daimon) puis la danse et la musique africaine (E.Wolliaston, T.Cissé), l'aîkido, la danse No et Kabuki (Shiro Daïmon). De ces approches diverses se dégage la question récurrente du poids et de la densité des corps. Elle explore le plan vertical avec Bruno Dizien au sein de la compagnie ROC in LICHEN qu'ils fondent en 1985. Cette expérience de 15 années enrichit de manière très concrète sa recherche sur le rapport du corps à la gravité. Parallèlement, elle fait partie du groupe de recherche de Kitsou Dubois sur le corps en micro-gravité et participe aux Vols paraboliques.
Depuis 2002, elle travaille au sein de son association YOUYOU PRODUCTION et se forme au Body Mind Centering avec Lulla Chourlin et au Qi Gong.
Elle accompagne et collabore à divers projets de création avec le cirque, le théâtre, la musique, la danse. Elle enseigne auprès de danseurs, comédiens, circassiens, chanteurs, chefs de chœur dans différentes institutions et associations.
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